Tom Hulce interprétant WA Mozart dans Amadeus (1984)

Le Concerto pour piano n°12 de WA Mozart est connu pour citer le thème de l’ouverture de La Calamitá die cuori de Jean-Christian Bach dans son deuxième mouvement.

Il faut savoir que Mozart avait en effet une profonde admiration pour le onzième fils de Jean-Sebastien. Ils se rencontrent à Londres en 1764 lorsque ce dernier était maître de musique de la reine Sophie-Charlotte. Mozart est amené à joué avec JC Bach alors qu’il n’a que 8 ans, cette rencontre sera très importante pour Mozart qui restera influencé toute sa vie par le compositeur Allemand.

À la mort de Jean-Christian Bach, Mozart écrit à son père « Quelle perte pour le monde de la musique ! ». C’est cette même année, en 1782, que Mozart lui rend hommage par une épitaphe musicale, dans l’andante de son 12ème Concerto pour piano. Mozart avait déjà démontré l’intérêt qu’il portait à l’oeuvre de J. Christian Bach en arrangeant ses sonates opus 5 (n° 2, 3 et 4) en concertos pour piano (K. 107).

Andante du Concerto pour piano n°12 de WA Mozart :

Jean-Christian Bach

Nanni Moretti sera le Président du Jury du 65e Festival de Cannes

En ce tout début de mois de Mai, ce sont les beaux jours qui se font attendre !

On attend les beaux jours certes, mais le mois de Mai est aussi synonyme, pour les cinéphiles et autres amateurs de starlettes, du Festival de Cannes et de sa montée des marches - sous la pluie ? – qui aura lieu dans quelques petites semaines.

L’occasion pour moi de faire un petit clin d’oeil aux musiques utilisées par le Festival et aujourd’hui devenues cultes pour tous les fans de l’évènement de la Croisette.

La musique qui peut être considérée comme « officielle » est tirée du très fameux Carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns. C’est le mouvement Aquarium qu’on entend de façon récurrente qui évoque un monde féérique et fantastique grace aux notes du Glassharmonica ― souvent jouées au glockenspiel ou au célesta ― et aux arpèges joués par le piano.

On retourne en enfance avec une autre musique incontournable du Festival de Cannes, qui est cette fois-ci tirée du dessin animé Le Petit Dinosaure et la Vallée des merveilles ou Petit-pied de Don Bluth, produit par Steven Spielberg et George Lucas, sorti en 1988. On entend régulièrement un court extrait de la bande originale à l’ouverture et la clôture de la cérémonie.

Version intégrale ici.

Dimitri Chostakovitch

Dimitri Chostakovitch (dont on a déjà parler ici) est un compositeur Russe né à Saint-Pétersbourg en 1906. Issu d’une famille russe cultivée, son enfance n’a pas pour autant été toujours très facile. Il fut en effet un enfant stressé par l’atmosphère troublée de la récente « révolution avortée » de 1905.

À l’âge de onze ans, un de ses camarades fut tué sous ses yeux en pleine rue par un gendarme de la police tzariste, cet évènement dramatique marquera définitivement le compositeur.

Dimitri Chostakovitch commence l’apprentissage du piano très tôt avec sa mère qui était une pianiste professionnelle. Il ne traine pas non plus à composer ses premières musiques : à 11 ans, il compose un Hymne à la liberté et est admis au Conservatoire de Petrograd à l’âge de 13 ans.

En 1925, alors qu’il n’était âgé que de 19 ans, a lieu la création de sa première Symphonie que des grands chefs d’orchestre comme Bruno Walter, Stokowski ou encore Toscanini font triompher dans le monde entier dès l’année suivante. Cet immense succès a fait de la musique de Chostakovitch un reflet fidèle de l’histoire de la musique en U.R.S.S.

Nous nous attardons aujourd’hui sur sa Suite op. 50b, oeuvre dont est tirée sa fameuse Valse, popularisée par le film de Stanley Kubrick, Eyes Wide Shut et par des publicités.

La Valse n°2 a totalement éclipsé les autres mouvements de la Suite, elle est même devenue l’une des plus célèbres œuvres du compositeur auprès du grand public. Souvent appelée Valse de Chostakovitch, elle est souvent jouée isolément du reste de la Suite qui est composée d’une Marche, une Valse lyrique, 2 Danses, une Petite polka, 2 Valses, et la Finale.

On rétablit un peu les choses : je vous laisse écouter quelques extraits de la Suite mais pas la Valse n°2 !

Petite Polka :

Danse n°2 :

Finale :

Henri Dutilleux

Henri Dutilleux est un compositeur français né en 1916 à Angers. Il commence ses études musicales au Conservatoire de Douai avec comme professeur Victor Gallois. En 1933, il poursuit sa formation au Conservatoire de Paris, où il remporte des premiers prix d’harmonie, de contrepoint et de fugue. Il travaille aussi la direction d’orchestre avec Philippe Gaubert et la composition avec Henri Büsser. En 1938, il remporte un second prix de composition et le premier grand prix de Rome.

Henri Dutilleux est une grande figure de la musique française contemporaine. Il est presque un cas unique dans l’histoire de la musique, en effet il est sans doute le seul compositeur à faire l’unanimité de son vivant chez les musiciens de toutes tendances (des avant-gardistes aux défenseurs d’une certaine tradition musicale…).

Il est un compositeur indépendant en quête perpétuelle de son propre langage. Il se démarque ainsi des grands courants de la création musicale. Resté trop en retrait par rapport à Olivier Messiaen, Henri Dutilleux est quelqu’un de discret, effacé. Il compose peu mais chacune de ses œuvres nouvelles est un événement incontournable qui attire l’attention de tout le monde musical.

Je vous laisse découvrir un extrait de sa Sonate pour piano, composée en 1946.
La même année, il épouse la pianiste Geneviève Joy, qui deviendra l’interprète de ses œuvres pour piano : c’est elle qui créé la Sonate pour piano en 1947. Cette œuvre marque une rupture par rapports à ses œuvres antérieures, qui étaient encore très ancrées dans l’héritage impressionniste.

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Source – Universalis

Jehan Alain

Jehan Alain est un compositeur et organiste français né à Saint-Germain-en-Laye le 3 février 1911 et mort en juin 1940 (mort pour la France au champ d’honneur près de Saumur). Essentiellement connu pour ses œuvres « organistiques » Jehan Alain a également composé quelques pièces pour piano, restées un peu trop oubliées du grand public.

Connaissant parfaitement l’intégrale de son œuvre pour orgue, je me suis récemment demandé s’il avait trouvé le temps, dans sa trop courte vie, de composer pour d’autres instruments. C’est donc comme ça que je suis tombé sur ses pièces pour piano. Je ne manque surtout pas l’occasion de vous faire entendre son Étude sur les doubles notes, en espérant que cela attise votre curiosité sur ce magnifique compositeur.

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Olivier Messiaen, toujours vêtu de chemises incroyables

La Turangalîla-Symphonie est une œuvre majeure d’Olivier Messiaen. Elle a été composée sur demande de Serge Koussevitzky, pour l’Orchestre symphonique de Boston qui la créa de façon triomphale en décembre 1949 sous la direction de Léonard Bernstein.

Le nom de la symphonie (Turangalîla) est composé de deux noms sanscrits. « Turanga » qui signifie « temps qui s’écoule comme le sable dans un sablier », mais aussi « mouvement » ou « rythme ». Le terme « Lîla » signifie quant à lui, le jeu de la vie et de la mort, il peut également signifier amour.
Le sens général qui est souvent donné pour cette œuvre est « chant d’amour », mais le compositeur à également avoué avoir choisi ce terme pour son esthétisme.
En réalité, Messiaen aborde le mythe de Tristan et Yseult dans cette œuvre qui à ce titre, fait partie de la trilogie : le cycle de mélodies Harawi

La Turangalîla-Symphonie met à l’honneur deux instruments au milieu du gigantesque orchestre que l’oeuvre requiert : le piano et les ondes Martenot (instrument électronique inventé par Maurice Martenot). Il est un des plus anciens instrument de musique électronique. Il se caractérise par ses sonorités particulières, dont la plus caractéristique est proche de la sinusoïde, qui évoque des voix « extra-terrestres ». Les sonorités sont assez proches de la scie musicale, mais l’instrument présente bien d’autres richesses et ce particulièrement au niveau de l’expression.
Lors de la création de l’œuvre à Boston, c’est la sœur de Maurice Martenot qui est derrière les ondes et la future femme de Messiaen qui est au piano : Yvonne Loriod.

Maurice Martenot aux ondes Martenot

Le cinquième mouvement de cette œuvre symphonique se nomme « Joie du sang des étoiles », il est une longue explosion de joie, la structure à l’allure d’un scherzo et trio est particulièrement complexe. Les rythmes, eux aussi complexes donnent l’impression d’une grande agitation. Les ondes Martenot jouent un rôle très important dans ce mouvement. 
Le résultat est éblouissant, l’oeuvre étant à mes yeux l’une des plus belles œuvre de la seconde moitié du XXe siècle.

Arthur Honegger

Arthur Honegger est un compositeur suisse, né au Havre en 1892. Il a été élève au conservatoire de Zürich puis au conservatoire de Paris dans lequel il a suivi les cours de Charles-Marie Widor et de Vincent d’Indy. Il reste à Paris toute sa vie et y accomplit toute sa carrière musicale.

Amoureux des locomotives à vapeur je ne pouvais pas résister à l’envie de vous faire entendre l’une de ses oeuvres les plus connues qui scelle la célébrité du compositeur : Pacific 231. Cette oeuvre est en réalité le premier des trois Mouvements Symphonique, composés entre 1923 et 1933. Ce premier mouvement a été composé pour accompagner le film « La Roue » de Abel Gance.

La musique d’Honegger tente ici d’imiter tous les bruits qu’une locomotive à vapeur peut émettre. Pari difficile mais plutôt réussi, on retrouve bien les grincements de ferrailles, les explosions de vapeur, ou encore le bastringue du freinage…
Honegger utilise pour cela un orchestre composé de bois (par trois), 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, 1 tuba, batterie, et cordes.

Pacific 231 G558

Le nom de l’oeuvre (Pacific 231) est le nom d’un modèle de locomotive à vapeur sortie en France en 1907, étudié par la Compagnie du chemin de fer de Paris à Orléans pour pallier le manque de puissance des Atlantic. 
Elle est sans aucun doute l’une des plus belles locomotives construites en France.

Wolfgang Amadeus Mozart

Les douze variations sur le thème « Ah ! Vous dirai-je, maman » est une œuvre pour piano composée par Mozart à l’âge d’environ 25 ans. La composition du thème est – à tort – souvent attribuée à Mozart, mais c’est en réalité une mélodie française issue de la pièce « Les Amusements d’une heure et demy » d’un certain M. Bouin.

On peut en revanche se poser sérieusement la question de savoir si nous aurions un jour entendu la mélodie de cette petite comptine aujourd’hui internationalement connue, si Wolfgang Amadeus Mozart ne l’avait pas popularisée en composant douze variations sur ce thème.

Certes un peu « légère », cette oeuvre ne contribue pas pleinement au génie de Mozart dont l’oeuvre complète est tout simplement miraculeuse. Mozart a d’ailleurs composé ces variations dans un but purement pédagogique, mais on y retrouve bel et bien sa patte et comme toujours, c’est un régal à écouter et à ré-écouter !

D’autres grands compositeurs ont, comme Mozart, utilisé cette mélodie dans leur composition. On retrouve ainsi parmi eux : Camille Saint-Saëns dans le douzième mouvement du Carnaval des animaux (fossiles) qui y fait référence sous forme de clin d’oeil.

Mili Balakirev

Mili Balakirev est un compositeur Russe né en 1837. Connu pour sa célèbre composition pour piano Islamey, il est également souvent cité comme le fondateur du Groupe des Cinq (composé de Rimski-Korsakov, Borodine, Moussorgski, et César Cui).

Balakirev est un compositeur autodidacte. Né de parents très modestes, ces derniers n’ont pas eu les moyens financiers suffisants pour lui offrir une éducation musicale complète. Il suit cependant quelques rares leçons de piano avec Alexandre Dubuc. 
Apparemment doué de grandes prédispositions musicales, il analyse seul les partitions de grands compositeurs et se forge ainsi ses propres bases musicales, bases qui se révèlent plutôt très solides. L’évènement décisif qui décidera Balakirev à se lancer dans la musique est sa rencontre avec Glinka en 1855.

En explorant les différentes interprétations de l’oeuvre Islamey trouvables sur YouTube, je suis tombé par hasard sur la Toccata en do# mineur que je ne connaissais pas. Les premières notes m’ont tout de suite accrochées et la suite m’a vite convaincu d’en faire mon premier « crescendo » de l’année 2012 !

Claude Debussy

Né le 22 août 1862 à Saint Germain en Laye dans une famille de modestes commerçants, Claude Debussy entre au conservatoire de Paris à l’âge de 10 ans pour étudier le piano avec Marmontel qui, en 1880, recommande le jeune Debussy à Nadiejda von Meck, protectrice de Tchaïkovski. Engagé à son service durant 3 étés consécutifs en tant que pianiste et professeur de ses enfants, il en profite pour voyager avec la famille à travers l’Europe.

Dès son retour en France, il fait ses débuts de pianiste avant de remporter le second prix (1883) puis le Grand prix de Rome en 1884 (pour sa cantate « l’Enfant prodigue »). Il déclare lorsqu’il apprend qu’il vient de remporter le Grand prix « … Que l’on me croie ou non, je puis néanmoins affirmer que toute ma joie tomba… Je vis nettement les ennuis, les tracas qu’apporte fatalement le moindre titre officiel. Au surplus, je sentis que je n’étais plus libre ». On reconnaît dans ces phrases tout le caractère de Debussy, et notamment son amour pour la liberté qui fera de lui l’avant gardiste que l’on admire toujours autant aujourd’hui.

Durant un séjour à Beyreuth, il se fascine pour Wagner mais cette fascination ne sera que de courte durée puisqu’il découvre en 1889, lors de l’Exposition Universelle, des musiques exotiques qui l’incitent fortement à s’affranchir du carcan musical européen. On retrouve bien ici son amour de la liberté, ainsi que son anticonformisme, qui l’amèneront à créer un nouvel univers musical que le public découvre avec son premier grand chef d’oeuvre : Prélude à l’après midi d’un faune.La première audition de cette oeuvre est triomphale, l’oeuvre est même bissée.

Cependant, le langage musical de Debussy est né progressivement et certaines de ses oeuvres préfiguraient déjà la musique novatrice qu’il composerait quelques années plus tard. C’est le cas de sa Petite suite pour piano à 4 mains dans laquelle on décèle certaines audaces harmoniques !

L’oeuvre est découpée en 4 mouvements : En bateau, Cortège, Menuet et un Ballet. Une orchestration a été réalisée par le compositeur et chef d’orchestre Henri Busser avec l’accord de Claude Debussy.

En bateau (Piano) :

En bateau (Orchestre) :